Faye Dunaway: une icône des sixties et des seventies.

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https://culturebox.francetvinfo.fr/cinema/dvd/faye-dunaway-sublime-dans-portrait-d-une-enfant-dechue-82664

https://www.horschampfrance.com/single-post/2011/09/29/Masterclass—Jerry-Schatzberg

Comme je n’écris que ce sur ce qui m’intéresse,  je viens de découvrir « portrait d’une enfant déchue »(1970) de Jerry Schatzberg (merci la Médiathèque de la Roche-sur-Yon). Portrait d’une icône de la mode ; on passe ainsi dans ce film de la découverte du monde de la mode à la vieillesse prématurée de cette  personne, complètement dépressive, mythomane et toxicomane vers la fin du film. Film incompris par la critique US à sa sortie (un film de photographe de mode, donc jugé superficiel) et rapidement réhabilité par les Français par la suite.

Un monde de la mode superficiel?

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Faye Dunaway en mode TWIGGY:

Faye Dunaway | © Pleasurephoto

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Très beau portrait de femme et de l’actrice Faye Dunaway par la même occasion, ancienne fiancée de Jerry Schatzberg de 1966 à 1968. Comédienne américaine qui est devenue célèbre avec son rôle de Bonnie Parker dans « Bonnie and Clyde »(1967) d’Arthur Penn. Actrice icônique aussi à cette période, car elle représente une sorte de femme fatale dans « l’arrangement »(1969) d’Elia Kazan. Comme souvent avec les grandes comédiennes et dans un schéma simpliste, elle fut souvent confondue par ses rôles comme une femme froide, névrosée et sophistiquée. Femme sophistiquée et froide mais qui est souvent proche de la déchéance, surtout dans ce film-là. Avec cette idée très américaine, on doit toujours payer sa frivolité, son trop grand succès, MAIS possibilité de rédemption à la fin.

Personnage qui se rend à son mariage dans ce film (véridique!): la mariée était en noir.

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Le pitch: une jeune femme recluse dans son chalet sur une île (Long Island sûrement), ressasse son passé fait de rencontres professionnelles et de désenchantement dans le monde de la mode. Personnage de Lou Andréas Sand (référence à Lou Andréas Salomé, muse de Nietzsche et de Rilke) enfermé dans son monde de brillance et de dépression nerveuse, dans sa toxicomanie aussi. Femme qui n’a pas de chance avec les hommes, qui soit l’utilise pour sa plastique et sa renommée, soit elle les plaque à son tour s’enfermant dans sa mythomanie et sa dépression.

Jerry Schatzberg raconte qu’il s’est fortement inspiré des enregistrement qu’il a réalisés avec la mannequin professionnelle Anne Saint-Marie (près de 3H30 d’enregistrement) et Faye Dunaway s’est immédiatement identifiée à ce personnage. Film incompris à sa sortie, les critiques US le taxant de film de photographe de mode, donc superficiel…il est bien plus que ça et il utilise les flashbacks et même les flashforwards pour alimenter le propos du film. Film qui a connu une ressortie grâce à Cannes classics et Jerry Schatzberg, dans les bonus DVD de ce film, ne tarit pas d’éloges sur Pierre Rissient et Michel Ciment pour avoir défendu ce film à l’époque (en 1970) et le distribuant même en France.

Faye Dunaway et Jerry Schatzberg en 2011 à Cannes: ressortie de « portrait d’une enfant déchue ».

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Faye Dunaway, icône sublimée voire anxiogène, comme dans l’intriguant « l’arrangement « (1969) d’Elia Kazan (un OVNI pour l’époque ce film) où elle y joue la maîtresse (Gwen) du publicitaire (Eddie Anderson) et qui va chambouler sa vie par sa possession mentale et sexuelle. Le publicitaire est fasciné par elle ; il remet en cause son mode de vie et sa vie privée pour elle. On a donc droit à des tirades insensées sur la vie, la mort ou la vie normative du couple, le tout mâtiné par des discours psychanalytiques et images psychédéliques à la mode à cette époque.

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http://www.allocine.fr/video/player_gen_cmedia=18803482&cfilm=1134.html

Même phénomène avec « NETWORK »(1976) où elle joue une productrice de télévision nouvelle tendance, prête à tous les arrangements professionnels pour faire de l’audience et s’arranger avec la réalité de la TV. Femme froide et calculatrice, elle cherche à tout prix le pouvoir et la reconnaissance dans une industrie télévisuelle mondialisée. Elle y joue une espèce de cinglée de journaliste qui va au bout de sa mission (elle commanditera même le meurtre du journaliste télé en direct).

Image associée

Photo liée à son OSCAR 1977 meilleure actrice dans « NETWORK »:

Faye Dunaway, by Terry O'Neill, 1977 - NPG x126147 - © Iconic IMages/Terry O’Neill

Faye Dunaway dans « CHINATOWN »(1974):

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https://www.youtube.com/watch?v=T37QkBc4IGY

Ce côté froid et sophistiqué trouve son acmé, avec l’intrigant « CHINATOWN »(1974) où Roman Polanski nous fait une description au scalpel du (petit) monde hollywoodien et de ses bassesses. Elle y incarne Evelyn Mulwray qui engage Jake Gittes afin d’enquêter sur la mort de son mari (femme sous l’ influence déterminante de son père, le menaçant Noah Cross). Elle y incarne donc la muse dans toute sa splendeur au milieu d’un monde corrompu et vicié, au milieu d’un monde d’un monde spéculant sur des terres agricoles de la région…cette pauvre fille a tout le monde sur le dos vers la fin, les mafieux liés à son père, la police qui la soupçonne d’avoir assassiné son mari et en plus, elle se fait assassiner. L’innocence qui meurt…ah putain de monde hollywoodien!!

La fameuse partie d’échecs dans « l’affaire Thomas Crown »(1968):

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Femme icônique mise en avant par des films comme  « l’affaire Thomas Crown »(1968) et surtout « les 3 jours du condor »(1974) ; femme froide dans ses films? Que nenni mon kiki, elle est capable d’empathie et d’émotions, comme avec le personnage de Robert Redford (Joseph Turner), elle va l’aider à déjouer les complots de la CIA (seuls contre tous! Sacré REDFORD!) et fait preuve d’initiatives. Elle va aussi se le taper le ROBERT REDFORD dans le film…joindre l’utile à l’agréable.

https://www.youtube.com/watch?v=dGK7qVhy4c0

n »Résultat de recherche d'images pour "Les 3 jours du condor-film-faye dunaway"Résultat de recherche d'images pour "Les 3 jours du condor-film-faye dunaway"Résultat de recherche d'images pour "Les 3 jours du condor-film-faye dunaway "

Sur la carrière cinématographique de Faye Dunaway:

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https://fr.wikipedia.org/wiki/Faye_Dunaway

« Suspiria »(1977) de Dario Argento à l’ABSURDE SEANCE au KATORZA à Nantes le jeudi 29 novembre.

Oyez, oyez braves gens ; encore du beau, du bon et du vrai dans notre bonne ville de Nantes et surtout grâce à toute l’équipe de L’Absurde Séance, avec la diffusion de « SUSPIRIA »(1977), le film original de Dario Argento ce jeudi 29 novembre dès 22 heures.

Mieux que les gilets jaunes, la femme en rouge!!

Le pitch: Suzy, une jeune Américaine (déjà l’erreur!!), débarque à Fribourg pour suivre des cours dans une académie de danse (trop?) prestigieuse. À peine arrivée, l’atmosphère du lieu, étrange et inquiétante, surprend la jeune fille (et nous avec). Et c’est là qu’une jeune élève est spectaculairement assassinée. Sous le choc, Suzy est bientôt prise de malaises. Et le cauchemar ne fait qu’empirer : le pianiste aveugle de l’école meurt à son tour, égorgé par son propre chien… Suzy apprend alors que l’académie était autrefois la demeure d’une terrible sorcière surnommée la Mère des Soupirs. Et si l’école était encore sous son emprise ?

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https://www.youtube.com/watch?v=MecSlkWMHPY

Sur « SUSPIRIA »(1977) le film:

https://fr.wikipedia.org/wiki/Suspiria

A noter dans le dernier « MAD MOVIES », un dossier sur Jessica Harper, l’héroïne de « SUSPIRIA » de Dario Argento:

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La bande-annonce de « SUSPIRIA »(2018), le film de Luca Guadagnino:

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https://www.youtube.com/watch?v=Jv43Pxeoir0

Les Rockeurs ont du coeur, version 2018.

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En ces temps troublés, faisons une bonne action avec une nouvelle édition « des Rockeurs ont du coeur » à STEREOLUX à Nantes ce 15 décembre à 19h30.

https://youtu.be/4x7XHqDa85E

La mission des artistes ce soir là sera non pas de jouer une partie habituelle de leur répertoire mais au contraire d’offrir au public présent des moments uniques et rares faits de reprises surprenantes, de duos déroutants ou de morceaux insolites … Ce que l’on va proposer ce soir là aux spectateurs en échange d’un jouet neuf, jamais ils ne le verront ailleurs…

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Un jouet n’est pas forcément une peluche. Le but est d’obtenir des cadeaux pour des enfants de 0 à 14 ans. Cela peut donc être également des jeux, livres, CD, etc. Il ne suffit pas de s’acquitter de son droit d’entrée mais bien penser à l’enfant qui va recevoir le cadeau. Le jouet doit être neuf, dans son emballage d’origine et surtout ne pas être emballé dans du papier cadeau, afin de permettre ensuite un tri par âge et par sexe (le papier peut être fourni à part). En échange de votre cadeau, on vous remettra un billet pour assister aux concerts.

Les artistes présents ce soir-là:

http://www.lesrockeurs.com/

Le concert de 2016:

https://www.youtube.com/watch?v=TCkajJlZtBU

Dominique A et Philippe Katerine pour le live 2017:

https://www.youtube.com/watch?v=lxCRV94YV5I

 

Marcel Proust au cinéma.

Marcel Proust jeune (en 1887):

Marcel Proust assis:

Si beaucoup d’exégètes littéraires reconnaissent en Marcel Proust, un écrivain majeur du XXème siècle et reconnu même de son vivant (« à l’ombre des jeunes filles en fleurs » reçoît le prix Goncourt en 1919). Un écrivain qui a révolutionné l’espace romanesque, hérité de la seconde moitié du XIXème siècle. Spécificité littéraire chez Proust? Déjà le narrateur chez Proust n’est pas extérieur à l’action, mais à l’intérieur même de la fiction ; il y occupe une position sociale, viable mais changeante.

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De même les personnages de ses romans, dont « un amour de Swann », sont changeants, leurs humeurs et leurs positionnements au sein de la fiction évoluent au fil de la narration. Leur vérité intime évolue aussi avec le temps, démontrant l’aspect relatif du temps, de la narration. Mme Verdurin devient avec le temps la duchesse de Guermantes. Même chose pour Mme Swann qui va devenir la Dame en Rose de l’oncle Adolphe d' »à la recherche du temps perdu ». Le narrateur se meurt de douleur après la mort d’Albertine, et 6 mois après, il l’a complètement oublié. Proust nous décrit un monde en perpétuelle recomposition et en un incessant devenir, un monde et un univers total.

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Ornella Muti en Odette de Crécy dans « un amour de Swann »(1984):

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Alain Delon en Baron de Charlus dans « un amour de Swann »(1984):

Jeremy Irons (Charles Swann) et Fanny Ardant (Duchesse de Guermantes ») dans « un amour de Swann (1984):

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« A la recherche du temps perdu » est l’exemple-type de différentes manières de voir le héros principal CHARLUS. On le voit d’abord selon son propre avis (focalisation zéro, narrateur omniscient), puis selon l’avis de plusieurs autres personnes (focalisation externe). Le livre « à la recherche du temps perdu » nous montre un monde en devenir et le génie de Marcel Proust est de nous décrire un monde passé et en devenir à la fois, un monde qui se suffit à lui-même. Les romans de Marcel Proust, si noirs qu’ils sont, sont très optimistes finalement et sont un plaisir pour le lecteur et exalte le lecteur dans sa volonté de lire ses romans.

Posons-nous la question des adaptations cinéma des romans de Marcel Proust au cinéma ; adaptations réalisées par des maîtres? Des cinéastes fidèles à l’oeuvre ou aux genres?

Déjà Raoul Ruiz et son « le temps retrouvé »(1999) où le narrateur voit sa vie défilée alors qu’il est alité sur son lit de mort. Dernière partie d' »à la recherche du temps perdu », Raoul Ruiz sait à merveille filmer des salles vides remplies d’ombres et de fantômes, un monde perdu où les distinctions sociales n’ont plus lieu d’être. Un monde perdu (oui mais là, y a pas de dinosaures).

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https://www.youtube.com/watch?v=1YhCKpXWyxs

Autre créateur fidèle à l’oeuvre de Marcel Proust, « un amour de Swann »(1984) de Volker Schlondorff ; Charles Swann se vautre dans la jalousie avec délectation pour la belle Odette, pour finalement, se marier avec elle.

Un amour de Swann - Film (1984) - EcranLarge

https://www.youtube.com/watch?v=6ocFmOH1Bcg

Film plus contemporain, celui de Chantal Akerman « la captive »(2000) ; une certaine Ariane vit dans l’appartement parisien de Simon et comme tout personnage romanesque et bien accaparant, il veut tout savoir d’elle, à chaque instant de la journée. Un amour total? Pas vraiment ; en plus la Annie en question a l’air d’une bisexuelle affirmée, donc le gars est encore plus jaloux et son désir pour elle y est ravivée.

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https://www.youtube.com/watch?v=ZV_VfD8e_9I

Sur l’écrivain Marcel Proust:

https://fr.wikipedia.org/wiki/Marcel_Proust

https://www.youtube.com/watch?v=qFI564-dczA

https://www.youtube.com/watch?v=0W3hD0omD5A&t=481s

https://www.youtube.com/watch?v=s60bNcVr4IE

Nicolas Mathieu: un Goncourt populaire.

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Une fois n’est pas coutume, intéressons-nous au style littéraire d’un écrivain Nicolas Mathieu, lauréat du Prix Goncourt 2018 « leurs enfants malgré eux »(éd. ACTES SUD, PARIS, 2018), car l’auteur se livre par ce roman de manière intense, par l’histoire de ces 2 ados perdus dans leur région et commune d’origine.

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Pour une fois, le GONCOURT va vers quelque chose de populaire et de réfléchi. La littérature comme émancipation et révélateur social. Un style clair pour des histoires sombres, un roman sur la France des périphériques. Raconter des vies autres et assumer, des gens de peu qui s’aiment, se détestent, qui vivent ensemble…des gens que l’auteur a bien connus et appréciés, avec des ancrages dans le réel assumé. Ca nous concerne tous.

Le monde pavillonnaire de la classe moyenne:

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La 4ème de couverture:

Août 1992. Une vallée perdue quelque part dans l’Est, des hauts-fourneaux qui ne brûlent plus, un lac, un après-midi de canicule. Anthony a quatorze ans, et avec son cousin, pour tuer l’ennui, il décide de voler un canoë et d’aller voir ce qui se passe de l’autre côté, sur la fameuse plage des culs-nus. Au bout, ce sera pour Anthony le premier amour, le premier été, celui qui décide de toute la suite. Ce sera le drame de la vie qui commence.

Sur les personnages:

Le livre se passe dans un sentiment de fatalité. Les personnages sont pris entre un destin qu’ils ne veulent pas, et des structures qui les poussent à reproduire la vie de leurs parents. Et ils vont essayer de jouer leur part de liberté. Quand on écrit un roman, on fait vivre des personnages. À partir de ce moment, il se passe des choses qui nous échappent.

Sur la sexualité des personnages:

Je ne sais pas si c’est la sexualité qui est émancipatrice, c’est plutôt le mélange de l’amour et de la sexualité. […] La morale de ce roman, c’est la restitution, rendre le réel. Donc, pour la description du sexe aussi, j’ai essayé d’appeler un chat, un chat, et de susciter chez le lecteur des choses qui pouvaient se passer dans le corps des personnages.

 

Des familles déglinguées:

C’est vrai que ce sont des familles déglinguées, mais il me semble que la famille saine, équilibré et heureuse est un mythe. Ce qu’il y a ce sont les secrets de famille. Et derrière la vitrine, on essaye toujours de faire bonne figure. La famille est une formidable usine à névroses avant tout ! Mais cette famille est une famille comme les autres.

L’auteur Nicolas Mathieu nous raconte la genèse de ce roman:

« AU DÉPART, ON POURRAIT TENTER CETTE HYPOTHÈSE : un roman, ça s’écrit toujours à la croisée des blessures. Ici, j’en verrais trois, disons les miennes. D’abord, l’adolescence. J’ai été cet enfant qui finit, qui rêve de sortir avec la plus belle fille du bahut, et veut sa part du gâteau. Et puis la plus belle fille ne veut rien savoir, le monde reste insaisissable, le temps passe et c’est encore le pire. Il y aura des étés, des flirts, les poils qui poussent, la voix qui mue. Ce sera le plus beau de la vie, et le plus cruel aussi. Dans une histoire, j’essaierai de mettre des mots là-dessus, la cicatrice à partir de quoi tout commence. L’autre plaie, ce serait celle du social et des distances. Quand j’étais petit, on m’a raconté un mensonge, que le monde s’offrait à moi tel quel, équitable, transparent, quand on veut on peut. Mais un jour, peut-être grâce aux livres, le voile s’est déchiré et j’ai commencé à comprendre. Cette leçon des écarts, des legs et des signes distinctifs, cette vérité des places et des hiérarchies, ce sera mon carburant. Enfin, il y a ce départ. Je suis né dans un monde que j’ai voulu fuir à tout prix. Le monde des fêtes foraines et du Picon, de Johnny Hallyday et des pavillons, le monde des gagne-petit, des hommes crevés au turbin et des amoureuses fanées à vingt-cinq ans. Ce monde, je n’en serai plus jamais vraiment, j’ai réussi mon coup. Et pourtant, je ne peux parler que de lui. Alors j’ai écrit ce roman, parce que je suis cet orphelin volontaire. »

https://www.franceculture.fr/emissions/le-temps-des-ecrivains/adeline-dieudonne-et-nicolas-mathieu

https://www.estrepublicain.fr/edition-de-nancy-ville/2018/11/07/prix-goncourt-verdict-vers-12-h-45-pour-le-nanceien-nicolas-mathieu

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Palmarès les UTOPIALES 2018.

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https://www.utopiales.org/edition-2018/

Encore du bon, du beau et du vrai pour ce festival 2018 ; encore près de 90000 spectateurs cette année pour une édition consacrée au corps.

Un palmarès éclectique:

 

  • Le prix du meilleur scénario de jeu de rôle est remis à Tolkraft pour Make Oneida great again et Sébastien Mège pour Seul un fou ne sait pas qu’il l’est.
  • http://tolkraft.e-monsite.com/
  • Le prix du meilleur jeu vidéo réalisé lors de la Game Jam est remis à Argann Bonneau, Youri Bossus, Étienne Cassin, Rémi Laot et François Mauxion pour Arena Spirit
  • Le prix Utopiales bande-dessinée est remis à Thimoté Le Boucher pour Ces jours qui disparaissent
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  • Une mention spéciale est attribuée à Joseph Falzon et Thomas Cadène pour Alt-Life
  • Le prix du jury pour la compétition internationale de courts-métrages est remis à Stacey Steers pour Edge of alchemy
  • https://vimeo.com/196774909
  • Une mention spéciale est attribuée à Will Welles pour Rust in peace
  • https://www.kickstarter.com/projects/willwelles/rust-in-peace?lang=fr
  • Le prix Canal + est remis à Sean Miller pour The Replacement
  • Le prix du public pour la compétition internationale de courts-métrages est remis à Radheya Jegatheva pour Irony
  • Le prix du jury pour la compétition internationale de longs-métrages est remis à Sam Levinson pour Assassination Nation
  • Résultat de recherche d'images pour "assassination nation vf"
  • https://www.youtube.com/watch?v=Dsu7CH3U_8Y
  • Une mention spéciale est attribuée à Bodo Kox pour The man with the magic box
  • Le prix du public pour la compétition internationale de longs-métrages est remis à Zach Lipovsky & Adam B. Stein pour Freaks
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  • Le prix Julia Verlanger est remis à Patrick K. Dewdney pour L’Enfant de poussière
  • Le prix Utopiales jeunesse est remis à Vic James pour Les puissants, T1 : Esclaves
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  • Le prix Utopiales est remis à David Mitchell pour L’âme des horloges
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  • Le prix extraordinaire des Utopiales est remis à Elisabeth Vonarburg
  • Résultat de recherche d'images pour "elisabeth vonarburg"

https://fr.wikipedia.org/wiki/%C3%89lisabeth_Vonarburg

 

Quelques conférences UTOPIALES 2018:

https://www.youtube.com/watch?v=QpmFUzozg6g

https://www.youtube.com/watch?v=b2Ft_oWfQRs

https://www.youtube.com/watch?v=nxI7UodU-mM

La remise des prix 2018:

https://www.youtube.com/watch?v=b-boKWU7sJ0

 

Virginie Efira entre porosité et minéralité.

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Alors qu’est sorti « un amour impossible » de Catherine Corsini (le 07 novembre) et où la performance de Virginie Efira est unanimement appréciée, on peut se poser la question du jeu d’actrice de cette comédienne. J’ai déjà écrit sur cette actrice au jeu classique dans des films dont le côté expérimental n’est pas le fort (on n’est pas chez Gaspard Noé ou Yann Gonzalez non plus). Classicisme des films, mais classicisme du jeu de comédienne?

https://www.youtube.com/watch?v=DT3prHsQYDE

La question du corps social dans « un amour impossible »:

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https://culture494.wordpress.com/2018/09/06/virginie-efira-une-actrice-classique/

De la sédimentation chez un artiste: ici Alain Bashung (album « Fantaisie militaire », 1998).

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A l’heure où bon nombre de théoriciens du spectacle s’interrogent sur les notions de comédie et où des actrices comme Isabelle Huppert ou Juliette Binoche s’affirment comme des comédiennes d’abord corporelles avec cette volonté de ne pas intellectualiser leurs rôles. Des actrices physiques avec un corps et un visage ; il faut que les comédiens ou comédiennes se rendent disponibles à eux-mêmes et écoutent leurs corps, leur intériorité, leur inconscient (c’est plus ou moins la méthode Stanislavski et d’ailleurs, une comédienne comme Juliette Binoche se revendique elle-même de cette méthode de jeu). Ne pas faire sentir le travail, mais vivre la situation de comédie de manière intérieure, voire de manière inconsciente.

https://www.pointculture.be/article/focus/isabelle-huppert-vivre-ne-nous-regarde-pas/

https://www.lesinrocks.com/2012/10/25/cinema/actualite-cinema/ceci-est-mon-corps-11314836/

http://www.psychologies.com/Culture/Divan-de-Stars/Interviews/Juliette-Binoche-les-7-cles-de-ma-serenite/4Ecouter-son-corps

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Résultat de recherche d'images pour "huppert-les cahiers du cinema"Résultat de recherche d'images pour "les cahiers du cinema-huppert"Sommaire N°12 // Juliette Binoche — La Septième Obsession

http://www.ina.fr/video/I16035790

Juliette Binoche dans « BLEU »(1993) de KIESLOWSKI:

http://www.ina.fr/video/CAB97100524

Juliette Binoche : les 5 plus beaux rôles de sa carrière - Télé Star

Dans « POLINA »(2016):

https://www.francetvinfo.fr/culture/cinema/juliette-binoche-la-capacite-a-se-projeter-dans-le-corps-d-un-danseur-est-magnifique_1923571.html

https://www.youtube.com/watch?v=kM5UZZqmL9E

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Dans « HIGH LIFE »(2018):

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Isabelle Huppert dans « la pianiste »(2001):

https://www.youtube.com/watch?v=oLh59ahphnE

https://www.youtube.com/watch?v=v4pD123Q7kE

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https://fr.wikipedia.org/wiki/Virginie_Efira

Minéralité des rôles poussée à l’excès, jouer la situation, n’être qu’un visage ou un corps (et le jeu se fait par ces mouvements du corps). La filmographie de Virginie Efira regorge de situations où seuls le physique et le visage font preuve de mobilité, le tout sans paroles. Le cinéma sait aussi très bien filmer les visages et les corps dans toute leur globalité, dans la texture de leur peau aussi. Exemple fameux dans « 20 ans d’écart »(2013) du tatouage « PLOUC LE DAUPHIN » sur le corps d’Alice Lantins alors que les 2 tourtereaux s’égaient joyeusement à l’hôtel ; peau et corps nus qui amènent les personnages à se révéler (« pourquoi moi? » S’interroge Balthazar Apfel (Pierre Niney))

Les corps et les mains dans « 20 ans d’écart »(2013):

https://www.youtube.com/watch?v=knZPDWOpcG4

https://www.youtube.com/watch?v=Sqrou_v8FFc

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Pour la comédienne Virginie Efira, c’est particulièrement vrai dans son dernier film « un amour impossible » ou dans « pris de court »(2016) et surtout dans « victoria »(2016), avec ces 2 scènes déjà analysées, comme celle du café avec l’ex de Victoria Spick (tout passe dans la fureur du visage) et celle aussi du tribunal (où le juge lit les écrits de son ex sur elle, colère rentrée du personnage…). Ah on est loin du jeu…de « l’amour c’est mieux à 2″(2009) ou de « Cookie »(2011).

Une colère sourde et rentrée: dans « VICTORIA »(2016)

https://www.youtube.com/watch?v=j2-gPz3cT6E

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Victoria Spick au mariage:

Déboires privés, confusions publiques - Le Temps

Le malaise psychique:

Virginie Efira: une actrice classique? | Rubriques nantaises

Les affres de la dépression: « VICTORIA »

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Un air décidé: « Pris de court »(2016)

https://www.youtube.com/watch?v=bBn4EeDp9Fs

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Un visage cinématographique:

Pour « le grand bain » de Gilles Lellouche:

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Pour « Caprice » (2014):

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« Colonel Redl »(1985) ou la fin des Empires centraux.

Toujours dans une optique pédagogique et didactique, penchons-nous sur ce drôle de film « Colonel Redl »(1985), un des seuls films qui nous montrent avec véracité la vie politique au sein de l’empire Autriche-Hongrie d’après un fait divers (qui rappelle d’ailleurs l’affaire Dreyfus en France) qui défraya la chronique de cet Empire finissant.

https://www.youtube.com/watch?v=Bf2BpUuuL6w

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Une histoire vraie, celle du colonel Redl, chef des services secrets de l’armée austro-hongroise qui se suicida le 25 mais 1913. Un colonel homosexuel, galicien peu fortuné qui, grâce au cursus militaire, se fraie un chemin parmi l’élite austro-hongroise. On le poussera au suicide pour éviter le scandale (alors qu’on l’accusait de haute-trahison après que l’on croyait qu’il eût vendu des secrets militaires aux Russes, Français et Italiens).

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Film fait sous les couleurs autrichiennes, allemandes et hongroises (Prix du Jury à Cannes en 1985), film classique dans sa mise en scène, très raide voire militaire (reproduction historique un peu pénible). Film anxiogène où l’on voit le colonel REDL de son enfance en Galicie jusqu’à l’école militaire où il se lie d’amitié avec un certain noble hongrois, le baron Von Kubinyi. Dressage intensif, mise en condition et fidélité à l’Empereur ; film didactique car tout dans le scénario rappelle l’aliénation future, les processus de corruption, un Empire miné par ses contradictions (communautarisme, impérialisme revendiqué, antisémitisme, corruption généralisée…).

https://www.youtube.com/watch?v=VvHaPMVasIA

Le colonel REDL jeune:

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Le médium cinéma est passionnant quand il cherche à faire apprendre ou mettre en avant une époque et ses contradictions (ici l’Empire austro-hongrois, Empire peu vu au cinéma). Le colonel Redl est ainsi un pur produit de la méritocratie de l’Empire, mais il a plusieurs défauts, il est galicien, homosexuel et ne sait pas être coulant ; il se fait trop d’ennemis dans l’application de son métier.

Si au départ, il a la confiance de l’archiduc François-Ferdinand qui lui confie des missions d’espionnage ; il se rend compte que tout est vite « pipeauté » et que l’archiduc n’en fait qu’à sa tête (pour définir qui est ou non un traître à l’Empire ; le baron Von Kubinyi est ainsi épargné, par exemple, d’accusations flagrantes de haute trahison). Le colonel REDL servira de fusible, d’exemple pour avoir soi-disant livré des renseignements militaires aux Russes…scène impressionnante du suicide dans la chambre d’hôtel, le type fait les 100 pas à l’intérieur de la chambre avant d’en finir.

https://www.youtube.com/watch?v=XnH04RVohZo

Un milieu vicié et corrompu:

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Les prémisses de sa chute sont déjà reconnaissables dès l’enfance, par son homosexualité refoulée, sa fidélité trop prononcée à l’Empereur François-Joseph (contre l’entourage envahissant de François-Ferdinand) et sa faculté à se faire des ennemis, en tant que colonel chargé des affaires d’espionnage et de haute-trahison. Il servira d’exemple à la fin (comme il le déclare, « ils ont trouve leur Ruthène »).

En effet, scène hallucinante au milieu du film où l’archiduc François-Ferdinand lui rappelle que c’est lui (et seulement lui) qui définit les traîtres ou non dans l’Empire (et il lui fait une liste surréaliste des ennemis potentiels, alors pas de Hongrois, ni d’Autrichiens, pas de Serbes, ni de Juifs, mais de vraie minorités inoffensives au sein de l’Empire du style les Ruthènes…tout cela afin de trouver des coupables, des traîtres à l’Empire et remobiliser l’armée, l’opinion publique et les médias au sein de l’Empire austro-hongrois).

Colonel Redl (1985) Bande annonce VHS française - YouTube

Film classique mais passionnant, afin de décrypter tous les enjeux d’une époque et d’un Empire (peu vu au cinéma). Klaus Maria Brandauer (colonel Redl) est impressionnant dans ce rôle classique, très masculin dans sa tenue d’officier, dans ce monde d’hommes ; même chose d’Armin Mueller-Stahl en archiduc François-Ferdinand, tout en rouerie et malignité, pour symboliser un Empire à bout de souffle.

La fin du film se focalise sur le suicide du colonel REDL en 1913 et l’apocalypse de la Première Guerre Mondiale qui suivra (images d’archives de la Grande Guerre et fin de l’Empire austro-hongrois en octobre 1918). Film aliénant sur un monde pourri et les Hongrois sont très forts pour filmer et mettre en scène ces milieux (cf les films de MIKLOS JANKSO, comme « les sans-espoirs »(1965) ou ceux de BELA TARR (« l’outsider », 1981)). Influence communiste?

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L’Empire d’Autriche entre 1811 et 1867:

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« L’arnaque » ou la crise de 1929 revisitée.

Ayant d’abord une volonté didactique pour ce site, je voulais revenir sur le (remarquable) film de Georges Roy Hill, « l’arnaque »(1974). Film qui est la quintessence du tandem REDFORD/NEWMAN, film à résonance sociale comme souvent dans ce tandem, que ce soit séparé ou à 2.

J’essaierai de démontrer que ce film reflète une époque, des villes et un climat économique délétère (la crise de 1929 et ses conséquences quotidiennes aux USA, ici New-York et Chicago). Par cette histoire d’un petit arnaqueur Johnny Hooker (Robert Redford) cherchant à se venger d’un certain Doyle Lonnegan (Robert Shaw), un mafieux redoutable, qui a tué son acolyte et ami d’arnaque, le dénommé LUTHER. Pour cela, Johnny Hooker se rend à Chicago pour trouver de l’aide avec notamment un maître de l’arnaque, Henry Gondorff (Paul Newman).

Les 2 compères vont ferrer le pigeon par une partie de poker épique pour l’amener ensuite à parier sur une course de chevaux truquée. Film aux 7 Oscars (dont meilleur film et meilleur réalisateur en 1974).

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En quoi ce film est représentatif de la crise de 1929, car il y porte tous les stigmates et signes de reconnaissance ; déjà, une des première images montre des chômeurs et pauvres attendant à la soupe populaire, alors que Robert Redford (on ne voit que ses pieds et ses chaussures rutilantes…) déambule dans les rues de New-York. Images de l’époque et des arnaqueurs de même ; arnaque du début qui se retourne contre les 3 acolytes (meurtre du noir Luther ; Johnny Hooker cherchant à venger son ami mais à sa manière, par l’arnaque et un coup bien monté).

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Comme les économistes adorent mettre en schéma des théories ou crises économiques, faisons de même pour ce film où Doyle Lonnegan symbolise le grand capital qu’il faut combattre et Johnny Hooker et Henry Gondorff, les petits artisans de la combine qui essaient de survivre dans un monde plus que hostile (comme le déclare Henry Gondorff, « à Chicago, même les flics sont des truands et des arnaqueurs »).

Film socialisant car le pigeon sera pigeonné sur un coup fumant, une course de cheval truquée, par un certain nombre de truands et protagonistes (près d’une trentaine de membres en tout). Film sur la solidarité sociale et qui renvoie à comment s’organiser face à des structures (ici les mafieux new-yorkais) tentaculaires et inhumaines. Le mafieux sera ainsi piégé par son goût de la cupidité et de la haine. Film sur la solidarité, voire socialiste ; s’entraider afin de « plumer » un pigeon mafieux et les gains de l’arnaque seront ainsi distribués à tous à égalité à la fin du film.

Le masque social: refaire son look.

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Film aussi sur les faux semblants (avec un phrasé et argotique bien caractéristique), chacun jouant un rôle social déterminé mais qui se révèle du « pipeau » à la toute fin du film (on y retrouve ainsi des agents du FBI, des tenancières de bar, des prostituées, des hommes politiques et flics véreux…), le tout constituant une faune bien représentative de l’époque (les années 1930 aux USA). Film dans la lignée aussi des grands films sur les arnaqueurs, du style « les arnaqueurs »(1990) de Stephen Frears, « American bluff »(2013) de David O’Russell ou « la couleur de l’argent (1986) de Martin Scorsese.

Résultat de recherche d'images pour "les arnaqueurs"Achat American Bluff en Blu Ray - AlloCiné

Ferrer le pigeon (ici à droite, Doyle Lonnegan (Robert Shaw)):

L'arnaque 1973 (The Sting) - Casting du film réalisé par George ...

Fausser les jeux de hasard:

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De l’intérêt des remakes dans le cinéma contemporain.

La toujours très passionnante revue « la 7ème obsession » nous a offert encore un dossier plus qu’intéressant ce mois-ci, basé sur les remakes et leur statut dans le cinéma contemporain.

Septième Obsession Hs 1 Dario Argento

Pour de nombreux cinéphiles, faire un remake d’un film, c’est trahir LA cause du cinéaste ; faire un plagiat d’une oeuvre déjà réalisée, quel intérêt? Oui mais c’est aussi la réinventer afin de mieux surprendre le spectateur. Faire un remake c’est prendre à rebrousse-poil le spectateur, le contraindre à accepter des oeuvres quelque fois médiocres, à accepter la reproduction ou le dédoublement (caractère industriel du cinoche?).

En littérature ou en peinture, la reproduction est acceptée, beaucoup moins au cinéma (voire pas du tout!). Les remakes embarrassent car ils ne s’inscrivent pas dans une forme de modernité propre au cinéma ; dans le combat des Modernes contre les Anciens, les anciens films ont souvent gagné (mais pas toujours). Pourtant, les remakes au cinéma sont passionnants à analyser car ils nous ramènent à l’inconscient du cinéma, nous ramènent au caractère primitif des images et leurs impressions, aux souvenirs laissés dans le cerveau humain. Faire un remake d’un film, c’est souvent lui rendre hommage, le revivifier et s’inscrire dans la continuité artistique du cinéma (éternel recommencement).

Souvent les remakes sont des hommages aux cinéastes originels, aux grands maîtres, avec cette volonté de vouloir les égaler, voire à les surpasser en quelque sorte par de nouveaux procédés de mises en scène, des variations scénaristiques (avec cette idée que l’élève a dépassé le maître). La variation étant souvent plus intéressante que l’original, exemple de la trilogie surveillance « Blow up »(1966), « Conversations secrètes »(1974) et « Blow Out »(1981) ;  » films paranos sur l’idée de surveillance et de contrôle dans les sociétés occidentales.

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En même temps, ce phénomène des remakes dans le cinéma contemporain s’est accéléré depuis les années 1980 et surtout de films français copiés par des films américains. Avec cette volonté de moderniser les sujets de ces films (tradition/innovation, machines à recycler hollywoodiennes). Il s’agit pour ces productions d’éviter le révolutionnaire (faut pas effrayer le bourgeois non plus!) pour être dans la continuité de valeurs préétablies par le modèle artistique du metteur en scène. De manière générale, les remakes s’inscrivent dans un courant postmoderne lié au Nouvel Hollywood (avec des cinéastes comme les frères Coen, Quentin Tarantino (cinéaste du recyclage par excellence) ou Steven Soderbergh) et des systèmes de diffusion à vocation majoritaire (les films US occuperaient 80% du marché mondial depuis les années 1980). Le cinéma US se réinvente grâce à des influences passées, des effets de mise en scène déjà vus 1000 fois ailleurs, mises en valeur de comédiennes iconiques par la même occasion…

Les remakes auraient ainsi leur utilité du fait de la formidable machine à recycler hollywoodienne et des fois, ce recyclage se fait avec talent (exemple personnel de « SOLARIS » de Soderbergh, bien mieux et passionnant que le pensum de Andrei Tarkovski, datant de 1971).

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Pour  finir, je reprendrai la classification réalisée par la revue « la 7ème obsession » sur les remakes, à savoir:

1) Le remake pour remodeler l’imaginaire. Exemple typique du remake de « PSYCHOSE » par Gus Van Sant (« PSYCHO », 1988)), entretenir l’imaginaire des spectateurs en réalisant image par image un remake du film d’Hitchcok.

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2) Les messages cachés des remakes (afin justement de magnifier le film original).

3) Le remake comme l’un des Beaux-Arts.

4) Le remake industriel:

Avec comme de bien entendu, les films d’horreur ou d’épouvante avec leurs messages sous-jacents (messages réactionnaires ou au contraire de contestation, néoféminisme, subvertir les interdits…)

5) Le remake pour passer d’une culture à une autre:

-S’éloigner de son modèle, exemple de « a bout de souffle, made in USA »(1983) de Jim MacBride, film noir qui cherche à se défausser de son modèle français « à bout de souffle »(1960) de JL Godard.

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-Immigration culturelle, exemple d' »infernal affairs » (2002) d’Andrew Lau qui passe aux USA avec « les infiltrés »(2006) de Martin Scorsese, intrigue identique et accent mis sur le communautarisme, l’ostracisme et les difficultés d’intégration dans la communauté irlandaise de Boston. Ou alors sur un ton plus léger, le « Ma meilleure amie, sa soeur et moi »(2011) de Lynn Shelton face au « et ta soeur »(2016) de Marion Vernoux, l’un se passant du côté de la région de SEATTLE et l’autre en Bretagne, avec pour les 2 régions un climat bien pluvieux.

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-De la noirceur au rire

-Du réalisme poétique au film noir.

6) Le remake infini:

-Vers l’abstraction, exemple d' »Assaut »(1976) de John Carpenter et celui (très réussi) de Jean-François Richet (« Assaut sur le central 13″(2005)).

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-Base de données

7) Le remake déviant:

-Atmosphère déviante, exemple de « LOLITA » de S. KUBRICK et celui de 1997, réalisé par Adrian Lyne. Erotisme déviant ou malsain.

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-Erotisme noir, exemple des « nerfs à vif »(1962) de Jack Lee Thompson et celui de Martin Scorsese de 1991 « les nerfs à vif ». Ou même la reprise remarquable de Paul Schrader en 1982 de « la féline »(1942) de Jacques Tourneur.​

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Pour continuer sur cette thématique des remakes:

https://www.youtube.com/watch?v=KNITPh0AKwo

https://www.youtube.com/watch?v=TYdI5z2GjDA

https://www.senscritique.com/top/resultats/Les_meilleurs_remakes_de_films/521448

 

https://books.openedition.org/editionscnrs/695?lang=fr